Lightspeed Champion è lo pseudonimo adottato da Devonte Hynes, già membro dei Test Icicle, e qui alla sua seconda prova solista.

La copertina dell'album può sicuramente essere fuorviante: sembra un disco blues e la canzone che apre l'album si chiama "Dead Head Blues".

Invece il disco è un ricchissimo catalogo di musica disparata ed ispirata di pop barocco, country e western, spruzzate funk e melodie accattivanti. Con due intermezzi musicali e per un totale di 15 canzoni, Hynes ha tanto da dire e non si risparmia, costruendo un affascinante lavoro, uno di quei dischi che fa della varietà il suo punto forte.

Lightspeed Champion è uno di quegli artisti difficilmente catalogabili perchè il suo amore per la musica è totale. Sia che si tratti del quasi funk di "Marlene" o del pop di "Madame Van Damme", dal barocco quasi Queen di "The Big Guns of Highsmith" alle tinte soul di "Smooth Day at the Library", il disco riesce ad essere un lavoro unitario, pieno, inventivo.

Il picere di incontrarti è nostro.

Sarà che è uscito il sole, che si sente aria d'estate, che le giornate si allungano...però quanto tira questo disco. Contrariamente a quanto siamo abituati a sentire recentemente, i Free Energy puntano direttamente al ventre più che al cuore degli anni '70. Canzoni da ballare e da cantare, senza troppi trucchi, senza artifici, dirette alla pancia. Questi pazzi fanno venire volgia di mettersi jeans scampanati e magliette colorate, di andare fuori la sera a divertirsi, di alzare al massimo il volume della macchina mentre si viaggia.

Sembra strano a prima vista che il disco sia uscito per la DFA di James "LCD Soundsystem" Murphy, che è un etichetta generalmente dedita ad un sound elettronico. Ma se pensiamo a quanto retro c'è nel gusto musicale di LCD Soundsystem, Rapture, Hercules and Love Affair, allora i Free Energy hanno un loro perchè. Ma questa volta ad essere aggiornati sono il canone dei T-Rex, dei Thin Lizzy o dei Cheap Trick, con una padronanza assolutamente impressionante.

"Stuck on Nothing" è un disco da godere più che da ascoltare: mentre con i Beach House ci si può immaginare seduti su una spiaggia d'inverno ad ascoltare il suono delle onde, con i Free Energy sulla spiaggia si corre, ci si libera di tutti i vestiti e si fa un gran tuffo rinfrescante con assoluto piacere.

"Excuses" è una di quelle canzoni che non riesce ad uscire dalla mia testa. Nella migliore tradizione pop dei Beatles e dei Beach Boys, ha una melodia così solare e mette talmente di buon umore che è quasi impossibile non rimanerne catturati. Essendo poi la canzone di apertura dell'album diventa anche una dichiarazione di intenti, una promessa, un invito a farsi trasportare con delicatezza dalla musica dei Morning Benders.

Il bello è che la promessa viene mantenuta per tutto l'album. Le atmosfere del disco vengono filtrate attraverso la sensibilità indie pop che è assicurata dalla presenza di Chris Taylor dei Grizzly Bear a dividere gli oneri della produzione con il cantante Chris Chu. Insieme, i due Chris costruiscono il giusto connubio tra melodie che suonano quasi antiche ed una sonorità assolutamente moderna. E' infatti la lezione di "Pet Sounds" che qui si perpetua e che dimostra quanto questo dei Beach Boys sia assolutamente uno dei dischi più influenti di tutta la musica pop. La produzione è infatti brillante di per se, capace com'è di sottolienare l'importanza dello studio senza mai distogliere l'attenzione dalla canzone (cosa che invece avviene assai spesso). La semplicità qui rimane il pregio fondamentale. Canzoni come "Promises", "Wet Cement" o "All Day Daylight" non hanno bisogno di molto di più di quello che già hanno.

Speriamo solo che questo grande eco arrivi a più orecchie possibili, perchè ogni volta che un disco così bello viene prodotto, si dovrebbe fare festa.

Quest settimana apriamo con un disco alquanto singolare. I Titus Andronicus sono un gruppo del New Jersey, la patria cioè di Bruce Springsteen. La loro musica deve molto al boss se non altro nel modo di descrivere la vita della provincia americana dove, il sogno (americano), ha quasi sempre l'aspetto dell'incubo. Musicalmente parlando però, i Titus Andronicus sono più figli del punk rock senza disdegnare incursione folk alla Pogues ed i riferimenti letterari li avvicinano ad un Conor Oberst (Bright Eyes) impazzito.

"The Monitor" è un concept album sulla guerra civile americana, ma non ha un linea narrativa perchè gli occhi sono disperatamente puntati sul presente. C'è rabbia, disperazione, quasi rassegnazione nei testi urlati più che cantati. Una urgenza espressiva che sembra volerci dire che la guerra non è ancora finita, perchè ancora siamo "noi contro loro", ed "il nemico è dappertutto". Ma la musica non è affatto triste. Rimane l'unica cosa a cui ricorrere per riuscire ancora a far sapere al mondo che esistono anche loro. E' talmente importante che le canzoni si allungano, cambiano al loro interno, gli strumenti si moltiplicano come in un disperato tentativo di far durare l'unico momento felice il più a lungo possibile. Questa contraddizione è insita nella società americana dove la speranza e la rassegnazione vanno di pari passo. Per questo il disco può assere a volte autoindulgente, sovraccarico, ripetitivo; in questo caso, però, non è affatto un difetto.

Ci sono due tipi di storie che accompagnano l'evoluzione dei gruppi musicali. La prima è quella dell'esordio fulminante. Questa categoria viene subito esaltata dalla critica e spinta dall'industria discografica verso un vortice di interviste, concerti, apparizioni che tolgono tempo all'evoluzione artistica; registrano in fretta un secondo album che viene visto come una conferma del proprio talento e si infrangono sullo scoglio del terzo album che, nel migliore dei casi viene visto come "interlocutorio" e nel peggiore come una battuta d'arresto. La seconda categoria è invece quella che progredisce verso il successo e che in genere trova nel terzo album la giusta combinazione ed il giusto bilanciamento di tutti gli ingrdienti che compongono il loro percorso artistico.

I Beach House appartengono a questa seconda categoria e con "Teen Dream" hanno prodotto un piccolo gioiello. L'album si apre con la splendida "Zebra" che ci introduce in questa sorta di sogno dalle variazioni minime in cui Alex Scully e Victoria Legrand ci accompgnano tra tappeti di tastiere, arpeggi di chitarra e splendide melodie. Rispetto ai due precedenti lavori la batteria si sente di più ma niente di ballabile. La musica evoca più che raccontare, e lo fa con una delicatezza che a volte nasconde tratti malinconici ed inquietanti, come tutte le cose belle. C'è una sorta di aura nostalgica che pervade il loro lavoro come se questa "Casa di Mare" fosse il realtà un rifugio invernale isolato piuttosto che un posto di vacanza.

C'è forse bisogno di più di un ascolto per sintonizzarsi sulle loro atmosfere, ma una volta entrati si rimane volentieri fino alla fine.

Gli Spoon sanno scrivere canzoni. Da quando sono stati "licenzianti" dall'Elektra hanno attraversato l'ultimo decennio aumentando il loro status di indie cult band. Da "Girls can tell"(2001) fino a "Ga ga ga ga ga" (2007) hanno continuato a migliorare album dopo album mostrando una consistenza invidiabile.

Il 2010 inizia per loro con questo "Transference" che ancora una volta ne mette in risalto le qualità stilistiche ma lo fa con più urgenza ed immediatezza dei loro ultimi lavori. Producendo per la prima volta l'album da se stessi, gli Spoon mantengono al minimo la strumentazione puntando sulla forza della loro musicalità. Ascoltando il disco si ha quasi l'impressione di essere in una sala prove, c'è un'intimità calda che rende l'atmosfera familiare. Allo stesso tempo però questa urgenza rende l'album più ruvido e complesso anche se mai complicato. Ed è proprio questo che rende l'intero disco così affascinante: non è di facile presa ma è insinuante ed ogni ascolto entra sempre più in profondità. Rinunciando alla brillantezza dello studio, gli Spoon sembrano volerci far capire che a volte non è affatto necessario ricorrere ad arrangiamenti elaborati quando si ha a che fare con materiale che funziona per quello che è, cioè un ottima canzone pop.

Qui di ottime canzoni ce ne sono molte; dall'iniziale ballata dolente di "Before Destruction" fino alla quasi disco della conclusiva " Nobody Gets me but You" gli Spoon sfoggiano una miriade di stili ed influenze da farli apparire come i custodi saggi di una tradizione in via d'estinzione.

Una delle frasi storiche della storia del rock è quella pronunciata da Sam Phillips in quel di Memphis : "Se potessi trovare un bianco con il sound ed il feeling dei negri farei un miliardo di dollari".

Questa frase leggendaria, al di là della sua autenticità, può essere applicata a più riprese attraverso tutta la storia della musica rock da Elvis Presley fino ad Amy Winehouse. Ma questo vuol dire anche che quasi sempre c'è voluto il filtro di un artista bianco per far conoscere al grande pubblico quel sound e quel feeling, rubandosene il merito. Quasi sempre, appunto. Esistono infatti delle notevoli eccezioni di artisti afro-americani che, rivolgendo consapevolmente la loro attenzione anche ad un pubblico bianco sono diventati immuni da qualsiasi espropiazione indebita del loro merito e del loro talento. E' possibile quindi tracciare una linea di continuità che va da Chuck Berry passando per Jimi Hendrix, Sly Stone e Prince fino ad arrivare a Ben Harper. Questi artisti non sono mai stati percepiti come "neri" ma non hanno mai cercato di compiacere il pubblico bianco eliminando quelle caratteristiche sovversive nella loro musica.
Chuck Berry è stato il cantore della modernità celebrando l'esuberanza giovanile fatta di automobili, scuola, sesso e divertimento ma anche fornendo il prototipo del riff di chitarra per eccellenza. E' proprio con lui che la chitarra diventa il principe degli strumenti. Ma Chuck Berry è anche il primo "poeta" del rock capace di rappresentare tutti i sogni e le aspirazioni di una intera generazione. Johnny è il primo di una lunga serie di eroi che sogna di vedere il suo nome brillare su di un cartellone e la Sweet Little Sixteen può essere a suo modo considerata la prima groupie. Ma l'epoca in cui Chuck Berry opera questa orgogliosa rivendicazione è ancora un epoca in cui la tensione razziale è alle stelle. Nel 1962 viene infatti condannato al carcere per l'accusa di aver trasportato illegalmente una minorenne dal Messico per scopi immorali (prostituzione) nel 1959. Il rock'n roll sembrava passato di moda, e l'America perbenista e puritana sfornava idoli giovanili rassicuranti, belli e sopratutto bianchi.

Ma l'ondata dei gruppi inglesi che dalla metà degli anni '60 invase letteralmente le classifiche americane riportò di nuovo alto lo scompiglio. Gruppi come i Rolling Stones e gli Animals e gli stessi Beatles prendevano ispirazione addirittura dai bluesman oltre che da Berry. E mentre questa invasione sembrava senza fine, l'erede diretto di quella tradizione invertì la tendenza "invadendo" il Regno Unito. Prima di lui, gli eroi della chitarra elettrica si chiamavano Eric Clapton e Jeff Beck: Hendrix sembrò spazzarli via nel giro di una notte dal quel trono. Formatosi suonando con la band di Little Richard e poi con quella degli Isley Brothers, Hendrix era troppo ambizioso e geniale per restare nelle seconde linee. E' presumibile pensare che se anche non fosse andato a Londra sarebbe comunque diventato famoso ma la sua clamorosa ascesa nel Regno Unito ed il suo trionfale ritorno in patria diede a tutti l'impressione che più che dagli USA Hendrix venisse da Marte. Le sue trovate sceniche (suonare la chitarra coi denti o dietro la schiena o addirittura incendiarla) non erano certo nuove ma il suono che usciva da quella chitarra non si era mai sentito prima e, a differenza dei bluesmen che lo avevano preceduto, impossibile da imitare. Le sue innovazioni e sperimentazioni tinsero di nero anche quella che sembrava una musica nata in un contesto tutto bianco: la psichedelia e tutta la scena di San Francisco. Probabilmente la sua ascesa ha contribuito a mettere in ombra un'altra importante figura che invece proprio da San Francisco veniva fuori sul finire degli anni '60 (ma oggi pienamente riconosciuta come tale). Il valore di Sly Stone ( e della sua Family Stone) non è certo inferiore a quella di Jimi Hendrix. Il suo primo abum intitolato "A Whole New Thing" (Una cosa completamente nuova) già la dice lunga sulle sue intenzioni e direzioni musicali. Sebbene fossero contemporanei (entrambi i loro primi album sono datati 1967) Sly mantenne più saldamente ancorate le radici della sua musica alla tradizione afroamericana ma miscelandola con rock a psichedelia, e soprattutto presentando un gruppo formato da bianchi e neri, uomini e donne era l'immagine dell'avverarsi del sogno promesso della love generation. L'integrazione brillava nella musica oltre che nell'immagine del gruppo attraverso la contagiosa gioia di pezzi come "Dance to the music", "Everyday People" e "I Want to Take You Higher". Ma con Sly & The Family Stone si fa largo anche un commentario sociale e politico prima di allora abbastanza sconosciuto tra i cantanti di colore. E questo commentario diventa sempre più cinico e disilluso man mano che appare evidente come le promesse degli anni 60, del movimento dei diritti civili, della pace si infrangono una dopo l'altra. Nonostante album come "Innervision" di Stevie Wonder o "What's Going On" di Marvin Gaye siano maggiormente conosciuti per i loro affreschi sulla condizione di vita degli afroamericani degli anni '70, "There's a Riot Going On" di Sly & The Family Stone ne restituisce l'atmosfera anche attraverso le sue cupe e affascinanti atmosfere musicali influenzando maggiormente le generazioni future. Certamente i suoi echi (insieme a quelli di Jimi Hendrix) si ritrovano tutti in Prince. In un decennio che ha visto l'emergere dell fenomeno Hip Hop da un lato e la popolarità stellare di Michael Jackson dall'altra Il folletto di Minneapolis è riuscito a ritagliarsi un posto unico e al di sopra degli altri. La sua capacità di fondere funk, soul, rock e folk lo rendono uno dei più singolari talenti della storia del rock. Prince ha reso nera la new wave con il suo "Dirty Mind" ed i suoi innesti stilistici sopra il solido sound "nero" hanno creato capolavori come "Purple Rain" e "Sign 'O The times". I suoi concerti, negli anni '80, erano il massimo a cui si poteva assistere portando avanti contemporaneamente l'idea di Sly Stone di un gruppo di musicisti uomini e donne, bianchi e neri e raffinando sempre di più le sua bravura di musicista capace di sonare ogni cosa che possa emettere un suono. Con Prince scompare anche l'idea del cantante in qualche modo influenzato dalle droghe. La sua droga appare essere il sesso che diventa talmente esplicito da diventare una delle cause dell'applicazione del bollino "Parental Advisory" sulle copertine degli album. Quando negli anni novanta la sua stella comincia a tramontare sembrava che nessuno fosse in grado di prenderne il posto. Le influenze dell'hip hop (con le quali lo stesso Prince sarà costretto a fare i conti) si erano allargate fino a renderla una musica "accettabile" per quasi tutti. Ma sul finire del decennio Ben Harper tiene alta la bandiera sollevata 40 anni prima da Chuck Berry. Seppure in maniera meno appariscente dei suoi predecessori, in lui continuano a convivere tutte le caratteristiche dell'inclassificabile artista di colore. Nella sua musica si sente il funk ma anche il folk, il rock ed il gospel con una punta di psichedelia. Ma a Ben Harper sta a cuore anche il commentario politico e sociale come dimostra soprattutto "Fight for Your Mind" quasi a testimoniare che nonostante si sia fatta molta strada, molta altra ce nè ancora da fare. A differenza dei suoi predecessori però, Ben Harper non sembra suscitare grandi entusiasmi da parte della critica. Forse la ragione risiede nel fatto che la sua musica appare poco moderna, scarna di elettronica e computer, addirittura conservatrice. La sua sembra quasi una caparbia ostinazione contro il tempo, contro i tempi che stiamo vivendo in cui sembra non esserci più spazio per artisti di questa fattura.

Questo può voler dire che le barriere razziali si sono completamente abbattute per fondersi in un unica razza di consumatori, che l'uguaglianza tanto cercata si è avverata su di un piano al ribasso di tutto, che siamo entrati in una fase nella quale la musica è diventata solo un sottofondo, una parte piccola della vita dei giovani, forse neanche così tanto attraente. Ma è anche vero che il rock ci ha sempre riservato sorprese ed ha sempre dato il meglio di sè nei momenti di crisi in cui sembrava essersi esaurito.

Forse la dinamica bianco/nero non ha più ragione di esistere avendo abbattuto l'ultimo tabù di eleggere il primo presidente USA di discendenza afroamericana. Se così fosse, allora questi artisti dovrebbero essere citati nei libri di storia ma se così non fosse allora avanti il prossimo!

Tre anni fa mi sono imbattutto in questo gruppo inglese quando avevano dato alle stampe il loro "Tones of Town", incuriosito dal fatto che le recensioni li mettevano sulla scia della migliore tradizione del pop inlgese che passa dai Beatles via XTC. Il disco mi colpì moltissimo ed i critici avevano ragione. Amando i Beatles alla follia ed essendo un grande estimatore degli XTC ho ascoltato il disco per settimane durante le mie traversate nella metropolitana newyorkese. Era anche un periodo in cui uscivano tantissimi gruppi interessanti dal Regno Unito, tutti più o meno attesi alla seconda prova e tutti decisamente considerati più hip (Arctic Monkeys, Maximo Park, Bloc Party). "Tones of Town" quindi, nonostante le buone recensioni, non ottenne un gran successo.

I fratelli Brewis si sono quindi presi del tempo, formando due gruppi distinti per inseguire le loro idee musicali. Ed ora ritornano con questo "Field Music (Measure) nel quale danno sfoggio di tutto quello che hanno imparato. Per farlo ci regalano (Attenzione! Attenzione!) niente meno che un album doppio! Una cosa d'altri tempi vista la deficienza di attenzione provocata dall'avvento dell'ipod in ognuno di noi. Ma i Field Music sembrano avere questo pericolo bene in mente e per scongiurarlo hanno creato un capolavoro.

Se è vero che il metro di giudizio degli album doppi si misura sull'album bianco dei Beatles allora anche questo disco è esattamente come la sua copertina: schizzi superbi di colore su di un pentagramma a formare qualsiasi cosa volete vederci. Le venti canzoni che compongono il disco sembrano uscite da una jam session in cui si sono alternati Paul McCartney e Brian Wilson, Jimmy Page e Jimi Hendrix, Prince, gli XTC ed i Pink Floyd.

Le canzoni cambiano continuamente direzione, ritmo, umore e tutte contenute nello spazio di meno di 4 minuti. Proprio mentre credi di aver catturato una linea melodica od un ritmo interviene una sorpresa, una virata in cui entrano nuovi elementi che suonano familiari ma che non si ha il tempo di collocare e quindi vogliono essere riascoltati ancora.

Ma in questo zapping musicale nella storia della musica rock non c'è niente di stonato e la sua apparente frammentarietà diventa una consistenza stilistica. Superato il primo impatto di completo spaesamento ci si lascia trasportare in questa montagna russa musicale con la curiosa aspettativa di vedere quante discese e salite sarà ancora in grado di prendere.

Mi capita molto spesso, dato il mio amore per la musica, di ascoltare dischi belli od interesanti; raramente mi capita di ascoltare un disco di cui mi innamoro. L'ultima volta è successo con "Illinois" di Sufjan Stevens; ora è successo di nuovo. Qesto, per me, è il primo capolavoro del nuovo decennio.